Hola, mi vida

 

SCREAM QUEEN MEXICANAS AL TELÉFONO

Disruptiva Films causó sensación con su éxito de terror independiente "Huesera", la cual recibió numerosos elogios por su enfoque innovador en el género. Aunque personalmente encontré la película algo deficiente, sin duda marcó un momento significativo en el cine de terror mexicano. Ahora, con "Hola, Mi Vida", Disruptiva Films continúa rompiendo barreras al presentar a María Evoli como la protagonista del filme. Evoli, firmemente establecida como la scream queen de México, ha ofrecido actuaciones destacadas en películas como "Tenemos la Carne", "El Habitante", y "La Exorcista." Su talento versátil brilla nuevamente en "Hola, Mi Vida", donde interpreta a una mujer escéptica que no le gusta el terror, navegando con naturalidad desde una actitud desafiante hasta una vulnerabilidad que se convierte en miedo genuino.

Aunque Melissa Barrera no está en esta película, su éxito internacional en el terror estadounidense ofrece una comparación perfecta con el enfoque local de Evoli. Barrera se ha convertido en una celebrada scream queen en el mercado estadounidense e internacional, protagonizando importantes películas de terror en el páis de las barras y las estrellas, mientras que Evoli ha permanecido enraizada en el cine mexicano, creando un legado de terror igualmente impresionante pero más localizado. Ambas actrices destacan por anclar sus actuaciones en las intensas emociones del miedo y la vulnerabilidad, pero la dedicación de Evoli al terror mexicano solidifica su lugar como una potencia local única en el género.

"Hola, Mi Vida" presenta a dos mujeres a pie, discutiendo películas de terror. Una, interpretada por Karen Alicia, argumenta con entusiasmo que un reciente monstruo cinematográfico podría convertirse en un nuevo clásico del horror, mientras que la otra, Evoli, encuentra el terror aburrido. Cuando el personaje de Evoli se aventura en el bosque para ir al baño y se pierde en medio de una misteriosa niebla que sale de la nada, el debate juguetón entre las mujeres se convierte en un miedo real. La animada interpretación de Alicia como la amiga amante del terror destaca, especialmente ahora que está lista para convertirse en una scream queen ella misma, con su papel en la próxima a estrenarse "Masacre en Teques".

Tomando su nombre de la clásica canción vaudeville de 1899 "Hello, My Baby", el cortometraje juega de manera inteligente con el metahumor al estilo de "Scream" de Wes Craven, utilizando numerosos clichés del terror para dar en el blanco. Desde perderse en el bosque hasta la Promesa Irónica de decir: "Volveré", pasando por teléfonos que no funcionan, hoteles espeluznantes y una tormenta inminente, la película abraza todos los convencionalismos clásicos. El filme juega con la inquietante presencia de un antiguo teléfono, ahora reutilizado como un conducto para el mal. La que fuera una tecnología innovadora en la era del ragtime, el ahora omnipresente teléfono de estos tiempos se convierte en un vehículo para la amenaza sobrenatural en un guiño tanto a "El Teléfono Negro" de Joe Hill y su adaptación cinematográfica como a "Scream" de Wes Craven. La película habla sobre el miedo a no encontrar ayuda, fusionando esto con el capricho nostálgico de una canción clásica que trataba sobre las relaciones a distancia con el terror moderno de la desconexión del teléfono celular, donde la llamada del villano es tan ominosa como el tono distorsionado de una línea fija.

La voz de Mario Castañeda como el villano añade otra capa de inquietud. Conocido por doblar a personajes icónicos de la televisión como Gokú en "Dragon Ball" y Kevin Arnold en "Los años maravillosos," el tono familiar pero perturbador de Castañeda intensifica la tensión. Al combinarse con los orígenes juguetones de la canción (popularizada por el cortometraje clásico "Una rana cantante" de Chuck Jones), la película crea una mezcla única de nostalgia, escalofríos y una casi lúdica aceptación de los clichés del género.

"Hola, mi vida" comparte ADN con la película anterior del director Juan Pablo Villavicencio, "Mata al niño", aunque los tonos divergen. Ambas películas están ambientadas en el bosque, con "Mata al niño" siguiendo a dos jóvenes en cuatrimotos persiguiendo ciervos con un rifle. Mientras "Mata el niño" es más seria, tensa y guiada por una atmósfera de terror dramático de lento desarrollo (con un elemento de fantasía en la forma en que se comportan los ciervos), "Hola, mi vida" adopta un enfoque más ligero y juguetón. Aunque se inclina hacia la autoconciencia, no abandona los momentos tensos que hacen efectivo al terror. Donde "Mata al niño" sumergía al espectador en una inquietud sombría, "Hola, mi vida" mantiene su tono relajado, casi juguetón, haciéndola sentir como un comentario ingenioso sobre el género mientras aún ofrece algunos sustos genuinos. Ambas películas presentan protagonistas cuyo sentido de control se desmorona, pero Villavicencio parece haber encontrado un equilibrio entre tensión y humor en su último trabajo, creando una mezcla única de diversión, escalofríos y maestría en los clichés.

Con María Evoli y Karen Alicia ofreciendo actuaciones convincentes, "Hola, mi vida" marca otra adición destacada a la escena de terror en evolución de México, combinando humor meta con sustos genuinos y dando un empujón al creciente legado de las scream queens locales.

 

Antojito mexicano: Unos taquitos al pastor con piña y harta salsa. Obvio, es un cliché, pero tienen ese toque ácido de la piña con la frescura del cilantro y la cebolla, con un toque que empieza ligero y divertido, pero conforme masticas, los sabores se intensifican y te sorprenden con una explosión de picante justo cuando menos te lo esperas.

Aracne

 LA MALEVOLENCIA ARTÍSTICA

Con una premisa tan hermosa como grotesca, el artista visual Cremance sube el volumen del escalofrío a niveles aterradores en "Aracne", cortometraje donde una mujer atrae a sus indefensas presas  hacia una bañera, con movimientos hipnóticamente inquietantes, como si estuviera poseída por el espíritu vengativo de una Araña Escupidora. 

En "Aracne", la atmósfera está cargada de terror. Mientras los acordes disonantes de una perturbadora melodía se entrelazan con el inquietante crujido de unos coros percusivos, se teje un angustiante tapiz de disonancia, en medio de un entorno claustrofóbico que envuelve todo como un sudario frío e implacable.

Aumentando la sensación de terror claustrofóbico, la música, con sus escalofriantes pasajes a capela, pronto se ve acompañada por una instrumentación cruda y visceral que amplifica el horror, creando una experiencia auditiva tan primitiva como inquietante. Hay una cualidad esquiva en la melodía que sugiere un modo eólico menor, pero que parece estar armonizada con un toque frigio, aportando un matiz exótico y perturbador. Si está en Fa sostenido menor o modulando a través de un Do sostenido frigio es incierto, pero la progresión cambiante crea una sensación de desorientación inquietante. Este paisaje armónico ambiguo profundiza la sensación de pavor, envolviéndote en un capullo sonoro tan desconcertante como aterrador, lo que contribuye a la sensación general de inquietud pesadillesca.

Sumado a esta inquietante mezcla, está el hecho de que Cremance, orgulloso exalumno de La Esmeralda, lleva su formación en artes visuales a un nuevo y perturbador ámbito, más vanguardista que cinematográfico. La narrativa se siente como una pesadilla fragmentada, inicialmente dotada de un sentido escalofriante con sus mórbidos matices ritualísticos, solo para descender en una incomprensible locura, como si contempláramos el nacimiento de una ceremonia vudú conducida por un malévolo arácnido. Es como si su tiempo en la famosa escuela de arte de la Ciudad de México no solo hubiera refinado su técnica, sino que también le hubiera otorgado una capacidad de otro mundo para transformar lo mundano en lo macabro, donde el límite entre lo surrealista y lo tangible se difumina de la manera más inquietante, haciendo que el arte y el horror colisionen en un baño de perturbadora brillantez. 

 

Antojito mexicano:  Un mole negro oaxaqueño, una mezcla de sabores dulces y amargos que combinan lo ritualístico y lo artesanal para una experiencia envolvente, intensa, y de la que es difícil escapar.


 

"Lucy contra los límites de la voz"

YO TENÍA UN CHORRO DE VOZ

En ocasiones hay cortometrajes que destilan ese aire de cine comercial que le hacen a uno pensar que los complejos que exhiben cine deberían replantearse el pasar este tipo de trabajos antes de cualquier función en vez de atosigarnos con comerciales y avances de próximos estrenos. Claro que esto parece pedirle peras al olmo, por lo que “Lucy contra los límites de la voz” se tendrá que conformar por su paso en festivales y con el hecho de ser exhibida como parte del tour de cine francés previo a varias funciones del mismo, las cuales toman esta idea de exhibir un cortometraje antes de la función “estelar”.

La cinta de Mónica Herrera es harto simple, lo cual hace que el formato corto la vuelva más contundente. “Lucy vs los límites de la voz” toma ese concepto fantasioso que tienen los niños que se inventan explicaciones a si mismos para las cosas que no pueden comprender. Lucy (Dulce Alfaro) es una niña que vive con su gritona tía (espléndida Mónica Huarte) y su abuelo, el cual ya no puede hablar. La única explicación razonable para Lucy es que todos tenemos un número finito de palabras para pronunciar en esta cosa llamada vida, por lo que Lucy está muy preocupada de que su parlanchina tía que se la pasa gritando a la menor provocación termine pronto como el abuelo, asi que no escatima en tratar de probar si su teoría es cierta, lo cual provocará graciosos resultados.

Ese tono amable de comedia provoca que el cortometraje tenga la facilidad de conectar con un amplio sector del público. También ayuda que Mónica Huarte sea una actriz con la soltura suficiente para lanzar gritos a 400 palabras por minuto, lo cual hace que esa perspectiva infantil que toma la cámara, la música (cortesía de Natalia Lafourcade) y el guión resalten ese aire exagerado de la tía regañona. Es en cierta forma la misma exagerada visión infantil/adolescente de el cortometraje “Cosas Feas” de Isaac Ezban, pero esta vez puesta en reversa, ya que en vez de tener ese gusto por lo grotesco aquí estamos en un tono completamente opuesto, aquí la inocencia de Lucy es lo que le da el tono apto para toda la familia.

La vertiginosa edición, la amable música y la narración, la cual no es sino la manera en que Lucy ve al mundo provocan que este cortometraje pese a que su factura no deje de ser sencilla tenga bastante encanto. Mónica Herrera consigue lo que se propone con suma eficiencia, adentrarnos en el mundo de Lucy y preguntarnos que otras aventuras se encontrarán dentro de su cabeza, después de todo, la cinta comienza con ella tratando de probar unas alas antigravedad, casi como el Miguelito de “Barrio de Campeones” intentaba ser Supermán. Caray, estos chamacos mexicanos y su imaginación.

Antojito mexicano: Unas pastillas de dulce para la garganta para que no se le vaya la voz. Que conste que este blog no está patrocinado pero como la onda es comercial, le recomiendo unas Halls.

“Lucy vs los límites de la voz” está nominada al Ariel 2013 a Mejor cortometraje de Ficción.

"Atenco, la herida se mantiene abierta"

FRENTE DE PUEBLOS EN DEFENSA DE LA TIERRA

El cortometraje documental “La herida se mantiene abierta”inicia durante los diálogos por la paz que ocurrieran en el Castillo de Chapultepec durante mayo de 2012, donde Trinidad Ramírez reclama airadamente al entonces candidato presidencial, ahora Presidente de México Enrique Peña Nieto, su accionar durante los sucesos de mayo de 2006, cuando el gobierno del Estado de México ordenó un operativo para detener a los manifestantes que habían cerrado el acceso en la carretera México-Texcoco.

Pasamos luego a una entrevista con la propia Trinidad Ramírez, quien nos da una breve recapitulación de los sucesos mientras observamos en pantalla lo que ocurría justamente allá por el 2001, cuando el gobierno de Vicente Fox en aras de crear un aeropuerto y un corredor industrial, expropió la tierra de San Salvador Atenco. El documental en ese rubro se limita a dar un breve resumen de 16 minutos de la lucha del Frente de Pueblos en Defensa de la Tierra por quedarse con sus tierras. Bajo ese accionar no tenemos algo novedoso o que nos aporte un panorama distinto, el documental es lo que es, ni más ni menos, un resumen que sirve para dar contexto a aquel despistado o a aquel joven que no haya sabido con mucha precisión que fue lo que ocurrió en Atenco.

En términos cinematográficos la edición es magistral, nos da lo que se tiene que saber, nos deja clara la postura del director quien apoya la lucha del Frente de Pueblos y al mismo tiempo señala la incompetencia de ciertos medios de comunicación cuando estos exigían a la policía reprender a los manifestantes con mayor énfasis siendo que ahora el discurso oficial de los medios es que el gobierno actuó con exceso de violencia.

El director Alberto Cortés ha mostrado desde siempre una predilección por esta temática sobre los pueblos, ya sea en la ficción como ocurriera en la más reciente “Corazón del tiempo” que hablaba sobre el Ejército Zapatista de Liberación Nacional o en el documental como pasaba en la ya lejana “La tierra de los tepehuas” donde se relataba la lucha de un pueblo veracruzano por trabajar sus tierras. Si bien el tema no sorprende en su cine, el cortometraje resulta bastante puntual y pertinente. 

Uno podría pensar que este tipo de luchas solamente ocurren en México, pero basta ver obras documentales como “Todos en Larzac” (Tous au Larzac) para ver que en todos lados se cuecen habas, hasta en Francia. Claro que el formato corto aquí ayuda a hacer más apacible la lucha, pues en aquel documental francés la edición resultaba un tanto incomprensible, a pesar de mostrar lo mismo: la lucha de un pueblo contra el gobierno que busca expropiar la tierra en su propio beneficio, una lucha que parece resultará eterna, por más que uno sienta que lo más duro ya haya pasado.


Antojito mexicano:  En la orilla del agua, una pequeña canasta de tortillas de nixtamal que parecen sobrevivir ante cualquier peligro en la canasta básica.

“La herida se mantiene abierta” está nominada al Ariel 2013 a Mejor Cortometraje Documental.

"Rewind"

EL FINAL NO ES MAS QUE UN NUEVO COMIENZO

La intrigante ciencia-ficción no es común en el cine nacional. "Rewind" es un ejercicio sobre la memoria en múltiples sentidos, pues comienza con una vieja televisión y una videocasetera mostrándonos una película de ciencia ficción donde la tragedia estalla y naves espaciales tienen que evacuar algún planeta. Luego de un choque nos damos cuenta que lo que observamos es una futurística proyección  de la caja negra de la nave que acaba de estrellarse con otro planeta, la cual fue activada por una chica que acaba de observar como ocurrió este accidente. Lo que observamos es pues, una película que proyecta lo que sucedió. En este universo, los recuerdos no son memorias comunes, son cintas de video que se reproducen en el corazón de las personas. 

La chica al observar al tipo que está a punto de expirar tras el accidente decide sacarse el corazón en modalidad BETA y proyectarlo en el corazón de su futuro difunto amado, como si vieramos a este tipo en su lecho de muerte proyectando sus recuerdos en video. El ejercicio de la memoria entonces es proyectado nuevamente como si vieramos pasar toda la vida frente a nuestros ojos una y otra vez. "Rewind" toma el concepto de que antes de morir, observamos toda nuestra vida, pero transforma el concepto en algo que se va erosionando. La memoria se desgasta como una cinta de video y cada vez que tratamos de recordar la misma historia, los mismos sucesos, uno encuentra que estos pierden nitidez, las palabras van perdiendo su sentido, pero el sentimiento permanece intacto.

El hombre-máquina del futuro no puede evitar al pasado, por eso el sol es como un disco de L.P., los robots que filman nuestras vidas son como viejas cámaras Polaroid y el lugar donde se encuentra nuestro corazón es como un Classic Simon, aquel juego infantil electrónico donde uno tenía que ejercitar la memoria a través de colores y sonidos, sin importar que uno recuerde mal en cada nuevo intento. Y a fin de cuentas eso es "Rewind", un juego infantil, pero uno que nos hace apreciar el bello valor de los recuerdos que escapan ante nuestros brazos . Retro-cine modernizado en menos de ocho minutos.

Antojito mexicano: Un Gerber de durazno etapa 3, para que recuerde su vida desde la tierna infancia.

Posibilidades de Ariel: Mejor cortometraje de animación

"La otra Emma"

LA COLCHA PERFECTA

Una mujer se desnuda y quema su ropa  arrojándola a una casa en llamas. En lo que luce  como un flashback vemos a la mujer observarse frente al espejo mencionando varios nombres hasta detenerse en uno: Emma. Acto seguido veremos la delirante forma de como crear la colcha perfecta, con lo que sea.  Aplicando la fórmula de cuanta más locura cuanto mejor, veremos el deambular de la desquiciada protagonista quien en aras de crear la colcha perfecta no escatima en engatusar a ancianos de asilo o en intentar ligarse a u hombre como lo haría cualquier auténtica mujer de trastornadas facultades mentales. Le podríamos cuestionar ciertos detalles en la ejecución, pero este cortometraje sobrevive gracias a sus excesos en los que vemos como se fractura la psique de su protagonista en hilarantes situaciones llenas de humor y poéticas imágenes.

Antojito mexicano: Bombones prendidos con el fuego.

"Atlas"

 CUERPO, ESCULTURA

Cuerpo, escultura, explosiones, atlas.  Son las primeras palabras que se le vienen a uno a la mente cuando uno ve este tibio ensayo sobre la relación del cuerpo humano con otros cuerpos. Dividido en secciones que manifiestan que las relaciones del cuerpo son infinitas: desde el arte, la arquitectura, la historia, la industria, el deporte, hasta llegar nuevamente al cuerpo humano como explosión artística. Lo mejor son las comparaciones del entrenamiento en el gimnasio como si el cuerpo fuera una fábrica industrial, el infame coloso bicentenario reflejando la reconstrucción de un cuerpo que desea escapar de las masas o esa lucha del hombre vs máquina tan bella como clásica comparando una lucha de jalón de cuerda entre un hombre y cinco mujeres como si el hombre luchara contra un avión. Tomando en cuenta la grandeza de otros cortometrajes como “Trotón” (Trotteur) que son una magnífica expresión plástica/artística sobre el cuerpo humano como una máquina inagotable, “Atlas” no tiene con que competir. Tomándolo como cortometraje estudiantil del cual una de las primeras palabras que se le viene a uno a la mente es justamente el título, el cual no se revela sino hasta el final, hay que decir que funciona a la perfección.

Antojito mexicano: Un mazapán, cuerpo perfecto de cacahute y azúcar que se devora rápido.